Bienal de Arte contemporáneo SITE Santa Fe: Unsettled Landscapes.

19 junio of 2014 por

Conversamos con Lucía Sanromán, curadora de Unsettled Landscapes/Paisajes Dislocados, la presente versión de la Bienal de Santa Fe, Nuevo México, que comienza este 20 de julio, enmarcada en Site Lines, un programa curadurial que se empezó a desarrollar hace tres años, el cual tiene como enfoque las Américas como un lugar a re-explorar. Irene Hofmann, Candice Hopkins, Janet Dees y Lucía Sanromán, entre otros, empezaron a construir el proyecto que tiene a esta bienal como primera versión, pero que se proyecta a dos más en la misma línea. Sanromán nos explica cómo empezó, cuáles son sus puntos de interés y por qué tomar el paisaje y su relación con Las Américas.

Una de las cosas que me llamó la atención de su propuesta curadurial, es la idea de enfocarse en América Latina. Primero, ¿Cómo se realizaron las pesquisas representar a los países?, ¿ se asesoraron por algún museo o galería?, ¿cómo llegaron a estos artistas?…

Podríamos decir que nuestro enfoque no es sólo de América Latina, sino sobre la noción de las Américas, incluyendo a Canadá, que es el territorio más al norte. Desde ahí a Tierra del Fuego. No para pensar que es una noción fácil de “hermandad” entre naciones ni mucho menos, sino para establecer una estrategia que trata de posicionar la noción de trans-regionalismo a través de redes de lugar a lugar. Entonces queremos alejarnos de este posicionamiento que ya se ha hecho muy común en todas las bienales, una noción cosmopolita-universalista, no nos interesa esa visión. Pero al mismo tiempo, tampoco estamos haciendo una propuesta geopolítica desde sus bases, no estamos intentando representar a cada país de Latinoamérica, eso sería imposible hacer de una manera justa. Lo que estamos haciendo en la exposición Unsettled Landscapes o “Paisajes Dislocados” es dar una lectura muy particular hacia prácticas que nos parecen tienen similitudes y diferencias en este gran continente. Y no nos asesoramos con galerías, es interesante la pregunta y recurrente. Las curadoras de esta exhibición preferimos asesorarnos con colegas, con artistas pero no necesariamente con galerías. Site Lines es una plataforma de exposición que se realiza cada dos años, una bienal, que transforma lo que fue Site Santa Fe Biennal hacia una mirada sobre las Américas. Entonces esta edición, la de 2016, 2018 y posiblemente a futuro seguirán con esta investigación, pensando en esta visión en vez de una noción de internacionalismo, pensando en esto como una plataforma que profundice sobre las prácticas artísticas en todas las Américas

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Agnes Denes, Wheatfield – A Confrontation: Battery Park Landfill, Downtown Manhattan With Statue of Liberty Across the Hudson, 1982.

Ahora que hablas de la idea de todo un programa de curaduría de aquí a los próximos seis años, cómo van a trazar los modelos para quienes vayan a relevarlas en este proyecto.

Ese proceso yo no te lo puedo contar, porque soy una curadora invitada. Pero el proceso de trabajo ha sido muy rico, muy abierto y horizontal. Parte del trabajo que hemos hecho todo el equipo curatorial ha sido de hormiga, de re- vincular  Site Santa Fe, que es un espacio que empieza en 1993, con muchas ediciones, con curadores de mucho prestigio y en cierto momento empieza a perder su lustre y pierde la mirada del gremio. Entonces, parte del trabajo ha sido re-vincularla con ese gremio, al establecerla como un espacio de investigación, que puede ser interesante para curadores de todos lados, entonces no sabría decir cómo lo van a llevar ellos.

En ese caso hay una distancia con la edición anterior de la bienal llamada The Dissolve (2010-2011), pero en la primera edición del ‘95, había algo de situar las preguntas o las problemáticas de la bienal respecto a la misma condición de Santa Fe, en el estado de Nuevo México, con su población latina importante. ¿Ustedes vuelven a tomar eso, en la relación del medio social en la cual desenvuelven la bienal?  ¿Es para ustedes el tema?

En primer lugar es importante entender que Site Santa Fe es un espacio de artes en Santa Fe, Nvo México, un lugar bastante aislado, muy hermoso, a una altura importante, al lado de un desierto, con una historia interesante pre-conquista, española y luego americana, hay muchas capas aún muy vivas, hay una relación aún con México. Cuando Bruce Ferguson, director de la primera bienal del 95, tiene la intención de traer lo mejor del arte a Santa Fe, entonces eso posiciona a Santa Fe en su momento como una de las bienales en las cuales está la condición de universalismo.

Nosotras vemos y analizamos esa historia, de cierta manera no es que reaccionemos pero hacemos un análisis para des-centrar las categorías, porque es una problemática que no se puede resolver, entonces pensamos en la noción de trans-regionalismo. En nuestra primera exposición no estamos precisamente trabajando con comunidades porque esta bienal lo ha hecho muchas veces y muchas veces ha fallado porque sentimos que establecemos las bases para una bienal que tiene una serie de vínculos. También hay que pensar que a las instituciones les sale bien hacer ciertas cosas como las exposiciones… no les sale bien hacer otras cosas como trabajo de involucramiento social. Entonces tenemos que pensar cómo evolucionamos internamente una institución y eso es lo que estamos estableciendo en este momento con lo que llamamos Site Center, que es un espacio conceptual, nuestra colega del Depto. de Comunicaciones de aquí está estableciendo esta plataforma.

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Gianfranco Foschino, Fluxus, 2010, HD video in framed monitor, Courtesy of the artist and Michael Strum Gallery, Stuttgart, Germany.

Esta bienal abarca un sinnúmero de problemáticas y representaciones de las distintas comunidades, y distintos puntos. No sé si hay algún punto en su programa de inserción en el medio latinoamericano, como lo hace, por ejemplo, la Bienal de Sao Paulo.

En realidad nosotros no estamos buscando ningún tipo de hegemonía en cuanto a ningún tipo de discurso en relación a “qué es el arte en las Américas”. Tampoco estamos buscando competir con Sao Paulo o con La Habana, eso sería suicida. Cuando vemos museos como el Guggenheim o Museo de Arte Moderno de Nueva York, que a través del trabajo de colegas muy brillantes que empiezan a incluir a artistas importantes de Latinoamérica en el canon americano, decimos “¡qué bueno, por fin nos incluyen!”, pero nosotros no estamos aquí para hacer eso, no estamos aquí para definir el canon, el canon existe, lo admiramos, sabemos que está ahí.


Ustedes tienen 3 generaciones conviviendo… cómo hacer convivir obras de Gianfranco Foschino con Transamérica de Juan Downey; o Antropología de la Mula de la argentina Adriana Bustos que es muy reconocida pero una obra mucho más reciente, ¿Cómo van a idear museográficamente eso?

Primero, creo que tenemos un eje temático muy fuerte que es la noción del paisaje y su devenir a través del género, deconstruyendo las estructuras del género del paisaje. Segundo, género, territorio y comercio. Curatorialmente pensamos que el paisaje en realidad en occidente ha funcionado para encubrir ciertas estructuras de poseer y transformar la tierra en un capital (más que el paisaje porque el paisaje en sí ya es un concepto occidental, también los chinos lo tienen pero es diferente). Entonces esa es nuestra base y desde ahí partimos a ver cómo es que se aprecia esto a través de artistas multigeneracionales, pero también se ve, por ejemplo en la movilidad que alcanzamos y lo que permite esa movilidad. Entonces aunque no vamos a tener una exposición en que indique literalmente: “Esto es tal territorio…” Ahí va a estar todo esto trazado, ligado, etc. Esto nos permite dos cosas que nos parecen estratégica y políticamente muy importantes: en primer lugar, el presentar artistas que no son tan conocidos ni en Estados unidos, como tampoco en sus países de origen, como muchos artistas de Canadá, por ejemplo, en relación a obras de Agnes Denes, por ejemplo, o en relación a artistas muy conocidos como Minerva Cuevas, porque lo que estamos pensando ahí es el uso de la tierra, no en la normatividad de pensar en el ícono del artista y su particularidad.

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Charles Stankievech – Film Still – “TheWreck”

Acá en Chile, el tema del paisaje y el territorio es lo que define las prácticas artísticas, por ejemplo las condiciones telúricas de Chile, desde el siglo XIX hasta hoy, en Argentina el Río de la Plata es muy significativo, y en algunas regiones de Brasil, la selva… ¿Cómo crees tú que el tema ha ido evolucionando, trabajado en distintos grados de reflexión y representación, para hacer un paneo macro de las Américas? Porque pareciera que es un tema inagotable.

Por eso te digo, nuestra aproximación al paisaje no es para aproximar al país, no estamos haciendo las olimpiadas del paisajismo en Santa Fe, estamos viendo el género a través de la obra de artistas específicos, en otras palabras, no podemos olvidar la especificidad de cada pieza, de cada artista y cada práctica, en ningún momento nos interesa que tenga que ver con competencias ni representaciones nacionalistas porque es muy difícil. Canadá por ejemplo es como en Chile en la forma de representar a la nación que mencionas, pero hay dentro del arte canadiense otras historias del arte. El paisaje en Estados Unidos a través del Hudson’s School en la costa del éste en el siglo XIX, vino a representar a la nación a través de una mirada muy colonialista. Entonces ciertas cosas estamos recuperando,  más allá de tratar de representar lo que se hace en Chile, estamos tratando de representar muchas historias que están ocultas, que tienen que ver con Santa Fe y su historia conflictiva con los indígenas, la conquista española… En cierta manera estamos buscando ofrecer algo que revuelva este río que se le ha estancado el agua, levantando el barro del fondo del mismo.


O sea, el enfoque de la bienal en general va a relacionarse, cuando hablamos del paisaje, con la historia del arte, más que con la naturaleza geográfica…

Tenemos tres temas, uno que tiene que ver con la historia del arte, que es el paisaje como género, pero también tenemos territorio y comercio, entonces queremos ligar estos temas, pero al mismo tiempo hacerlo Unsettled, que tiene que ver con lo dislocado, agitado, inestable, des-estratificar. Entonces yo diría que tiene que ver con la historia de usos de territorios, de territorialización en general, que tiene que ver con cómo se transforma la tierra en algo que es comprado o vendido, something owned, entonces esos son los temas que nos interesan, y esos los compartimos, sobre todo en las Américas, tenemos la misma historia de colonialismo.

Sobre el Autor:

matias_allende_contadorMatías Allende Contador

Investigador de colección en el Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de Chile, institución donde también es ayudante de cátedra en clases de Arte Americano. Ha realizado trabajos de investigación y asistencia curadurial para artistas e historiadores del arte. Colaborador estable de la revista de arte y cultura “Arte y Crítica”. Actualmente participa en el Núcleo de Investigación Bicentenario JGM- UCh “Archivos: Realidades emergentes”.

Junto a Carol Illanes, es curador de diversas muestras desde 2011, fundando como dupla la oficina de estudios curaduriales SOCORRO. Además, ambos son compiladores el libro “Trabajo en Utopía: monumentalidad arquitectónica en el Chile de la Unidad Popular” (2014).

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9-“Nighthawk psicodelia”
Técnica mixta sobre papel.
77 x 100 cm.
2012.

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Jon Jacobsen_2014_25

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